1946年，而到了1952年，随着后来被成为日本漫画之神的手冢治虫的《原子小金刚》，也就是我们熟悉的《铁臂阿童木》的刊载，标准着日本漫画，乃至于由此衍伸出的整个卡通产业兴盛的开始。

       当然，漫画并非日本特有的产物，其它国家地区都有着各种形式的漫画作品，然而，只有日本的漫画走出了国门，在世界上取得了巨大的成功。相比之下，美国漫画只有排成电影，借助好莱坞的魔力，才能让他人接受；欧洲漫画有一些成功的作品，但却只能成为个例，无法成为流行的文化现象；至于香港漫画，更是远没有自己的电影和音乐成功，几十年来始终无法走出自己狭小的圈子。

      日本的漫画如此成功，以至于成为日本独特的文化现象。更围绕着漫画形成了一个每年产生几百万亿日元经济价值，占日本国民生产总值10%的巨大产业，各中缘由很值得我们好好思考思考。

       而目前中国的动漫人也在奋起直追，试图赶超日本的同行们，不能否认其中也涌现出一些佼佼者，但我不得不说，前路艰辛，任重道远啊。正所谓知己知彼百战百胜，所以，了解日本漫画的成功之道，也许可以帮助我们在这条艰辛的道路上走的稍微轻松一些。无关说到日本漫画成功的秘诀，不得不先说说和成功无关的地方。

      很多人认为日本漫画强在绘画技法，强在人物设定或许强在创意，但这些恰恰不是日本漫画成功的原因。首先日本漫画的绘画技法是最容易学习的，本来单色漫画的绘画技巧就没有什么特别的难度，多数日本漫画家也不是科班出身，或者仅仅是类似于技校的漫画学校毕业。

      但他们最终也都可以熟练的掌握漫画技巧。而国内漫画人多数是系统学习过绘画的各种技法的，复制日本漫画的技巧完全没有难度。事实上，从九十年代开始，国内漫画人都日本漫画绘画技巧的学习就已经很不错了。

      另外，事实上每年80%以上的日本动画实际上是由国内公司制作的，由此可见，掌握日本漫画的技法，并不是问题。退一万步来说，即使技法不好也不是就画不出出色的漫画，无论是《蜡笔小新》还是《小职员周记》，都不是因为绘画技巧高超而成功的，如果需要，这样的例子有很多，然后说说人物设定，却是人物设定是日本漫画的强项，但是要知道日本漫画中的人物并非一开始就是这样的。

      和任何现在看来完美的事物的新生阶段一样，日本漫画的人物设计一开始并不成熟，更谈不上出色，它也是在漫长的成长过程中逐渐的成熟进化的。比如最近的日本漫画人物的鼻子变得没有了，成为了脸上的一个点，但这个变化并没有让人物变得难看，相反却让人物的脸部变得更加立体。

      起源虽然现代日本漫画的的开端，比起欧美的同行来起步晚了很多，比如美国最早的超级英雄漫画《超人》被DC公司正式出版的时间为1938年，而为国人所熟悉的比利时漫画《丁丁历险记》自1929年就开始了自己的连载。但是日本却漫画能够以比欧美漫画更迅猛的速度兴起和发展，其实最基本的原因远没有很多人想的那么复杂，甚至可以说很简单，因为它赶上了一个千载难逢的黄金时代和满足了当时人们的心理需要。

       首先，当漫画之神手冢治虫先生开始发表自己的作品《小马日记》的时候，正是战争刚刚结束的时间。在这个时间段，由于战争的破坏、非正义战争的失败以及大量军人的复原等因素，日本人民的生活是相当艰苦的，以至于对普通人来说，吃饱穿暖也是奢望。

      不过，越是艰苦的物质生活，人们就越希望能够从精神上得到慰藉和满足，而漫画，作为一种比起电影、广播等娱乐手段都要廉价的多的娱乐方式，自然成为了很多还为生计所累的人们的第一选择。

      现在有统计数据表明，经济的景气程度和同时的娱乐活动的活跃程度成反比，也就是说，一个社会的经济表现越糟糕，其娱乐活动就越发达。其实这里面的道理很简单，当社会整体经济运行良好的时候，就业率较高，工作收入也比较令人满意，这个时候人们可以通过比较丰厚的收入得到精神的满足，加上工作时间较长，也让人们不能把过多的精力投入到娱乐上去。但是在经济部景气的时候，失业人口较多，加上收入的严重减少，这时人们就需要同过娱乐来活动精神上的慰藉，以抗衡由现实生活不如意造成的沮丧等负面情绪，并且希望通过娱乐来短暂的逃避现实生活，来暂时忘却艰辛的现实。

      其次，战后时代的日本，刚刚从对人民思想严格控制和压制的军国主义时代走出来，一直以来都被压制的精神极度渴望着活跃的思想的冲击，加上对非正义战争的反思，使日本人头脑中的思维火花激烈的跃动。

      在这个时代，不仅是漫画，几乎一切新奇的娱乐方式，比如酒吧，比如商业电影等，都被日本人当做新的生活方式的象征所推崇。所以在这个时段，无论是电影还是文学作品，都是最活跃的时代，比如黑泽明，比如三船敏郎，都是在这个时代功成名就。而漫画，比起电影，能够表现出更多瑰丽的超现实幻想，而比起小说则更加直观易懂。

      作为承载幻想的最理想，也是最直观的体裁，自然而然的获得了很多人的青睐。最后，这个时代的日本，虽然正经历着战后的阵痛，但同时也正处于快速恢复的时期。作为恢复的标志之一，日本也出现了现在所说的战后婴儿潮，大量的儿童都在这个时间出生。而儿童，正是漫画天然的受众，简单易懂又充满幻想的漫画，自然的成为了这些儿童生活的一部分。

       而当这些从小看着漫画长大的孩子，成为了社会的中坚的时候，自然把陪伴他们成长的漫画的情感，传达给了下一代，并且一代代的传承，并发扬光大。我们可以想象一下，假如漫画出现在现在日本这样一个少子化和人口老龄化的社会，能否像现在这样成功，就是需要商榷的了。所以说，从各种层面上来看，日本的漫画，都出现于一个最适合自己发展的年代。

      有意思的是，现代日本漫画的开端其实只是围绕着手冢先生一个人展开而已，可以说手冢治虫先生以一己之力开创了日本漫画走向成功的新篇章，也难怪他被称为漫画之神。而日本漫画的开始也许具有很多的偶然性，但是其兴旺发展，却因为这个时间而成为了必然。也就是说，从很多方面来看，日本漫画的成功和在其国民文化生活中的重要地位，在娱乐手段极大丰富的现代，都是其他人难以复制的。

       特色任何一种成功的艺术形式，都是有自己的特色的，而正是这些特色，赋予了这种艺术独一无二的魅力。套用一句名言，失败的艺术都是相似的，而成功的艺术则各有各的不同。

       现代的日本漫画，以制作精良而出名，但是早期的日本漫画，却远没有自己的后代这样的精致出色。就像很多成功的人或物一样，早期的日本漫画，也是从模仿阶段走过来的。

      比如手冢治虫的作品，明显可以看出迪斯尼卡通的影子，而手冢治虫本人也承认自己的作品受到了上海的电影人万氏兄弟的动画的影响。这种模仿的现象其实直到现在依然存在于日本的漫画界，比如当鸟山明的《IQ博士》掀起热潮的时候，当时一半以上的漫画投稿，都模仿鸟山明的画风，而现在风靡的漫画《海贼王》，也参考了著名导演黑泽明的《七武士》。

       既然日本漫画也是从模仿开始的，甚至这种模仿还一直存在，那么它何谈自己的特色呢？原因就在于，模仿并不可耻，可耻的是一味模仿而没有创新，如果在模仿的基础上进行再次创作甚至是创新，那么冲成功的几率就会大大的增加。在这方面，日本漫画就是成功的代表，日本的漫画家往往只模仿他人的外在表象，而却能赋予作品独特的内涵，维持着与众不同的内核。

       首先，日本漫画始终坚持自己独特的价值观，比如强调精神的作用，突出人物的内心，等等。这些和典型的日式文化是一脉相承的。类似的情况并非漫画所独有，但在漫画上却特别明显，也保持的最好。其次日本漫画的内涵，从诞生之日起就在追求深刻的内涵，可能是刚刚从战争中走出的原因，即使是早期的日本漫画也不乏生与死，人类与自然之类深刻的主题。

       值得一提的是，在日本漫画的初期阶段，整个日本社会是比较偏左的，在这样的思潮下，大量的社会题材和对战争的反思也在漫画题材中有所体现。随着日本社会逐渐右转，反思渐渐的变了味，但是社会题材却几乎成了日本漫画的独有题材。再次，日本漫画有着日本人标准的小的特点，具体来说就是小人物、小事件这样的特点。在典型的日本漫画中，很少有伟人、领袖这样的角色成为主角，也很少有拯救世界这样宏然巨事的出现。假如因为题材选择或者情节发展，真的出现超人，那他一定是普通人的心态，例如在《七龙珠》里的孙悟空，拥有着超人的力量，几次拯救世界，在心态上却始终把自己当成一个普通人。

       当然，这只是指的典型的日本漫画，传记漫画本身就是描写伟人的，自然不在此列。总的来说，比起美国漫画，日本漫画更接近普通人，也就更能引起普通人的共鸣，也更能让读者产生代入感，这也是一个个经典的日本漫画形象能突破日本的文化局限性，成为风靡世界的虚拟形象原因之一。

      不得不说，在这个选择上，日本漫画家们是很有先见之明的，几十年以后，当美国的超人题材漫画走进死胡同的时候，美国的漫画作者也开始像他们的日本同行们学校，从《超人高校》《神奇四侠》，到《全民超人》，再到《钢铁侠》，美国的超人们也开始走下神坛，向普通人转变。还有，就是日本漫画往往拥有自己独特的世界观设定，从《原子小飞侠》到《海贼王》莫不如此。

       独特的世界观强化了漫画的幻想性，突出了漫画对幻想题材表现力强的优点，也更能吸引充满了幻想的孩子们。美国漫画或其它的漫画，也同样充满了幻想，但大多数作品只是利用了现有的世界观或者在现有世界观上简单修改而已，而大量设定独有复杂的世界观，也是日本漫画与众不同的一点。

       进行世界观设定，工作量巨大而琐碎，方方面面都要考虑到，而且一旦失误很可能会吃力不讨好，这也是除了日本作者外的其他作者很少这样做的原因。而正是这些琐碎的工作，也成为了日本漫画具有独特魅力的原因之一。不过，和欧美的作者相比，也许是日本人缺乏科学精神的原因，日本漫画家对世界观的设定虽然往往宏达瑰丽，却经常在细节上存在严重错误，更不要说设定的不严谨和构思的不周密了

      例如，和美国漫画一样，日本的漫画作品中也有大量的外星人或奇异世界的描写，但是这些作品中，没有任何一部出现像《星际旅行》中 克林贡语或《魔戒》中精灵语这样在现实世界不存在，却可以实际使用的虚拟语言。

      当然，这也和日本作者往往是单打独斗有关系，比起美国的同行，日本漫画家在设定方面往往显得充满想象力，但是却业余和缺乏专业能力。另外说一句，在西方，往往并不细分科幻、玄幻或者奇幻这样的题材，而是统称为幻想题材。因为科幻或奇幻，经常只是一线之隔，同样的效果，用科学解释就是科幻，用魔法解释就是奇幻。所以，是否具有严谨的设定和合理的解释，就是一部作品是“软”还是“硬”的分水岭，就像《回到未来》这样的作品，在国内一般称为“软科幻”，而《海底两万里》，则被称为“硬科幻”。

      而不光是日本，国内也同样，软科幻不缺，但硬科幻太少，这不得不说是一种悲哀，因为这标志着国人科学精神的缺失。要知道一部出色的科幻作品，在具备巨大的影响力的同时，也能起到不错的科普效果。还举《星际旅行》的例子，在这部作品中，主人公的座舰叫企业号（USS Enterpri）,就被广大科幻迷推选为美国第一架航天飞机的名字。

      而在日本，虽然幻想作品很受欢迎，却没有任何一部作品有像《星际旅行》这样的影响力，这也说明了日本漫画家在这方面能力的缺乏。日本是个资源贫瘠的岛国，由于生存不易,所以日本人的危机意识相当强，这一方面使实用主义在日本民众的脑中根深蒂固这种情绪在表面上表现为遇事容易极端而情绪化的民族性格。

      这样的性格从心理学上并不是理想的心理状态，甚至可以说是病态的，但是当这样的心理投入到漫画的创作上来的时候，就表现为制作手法的推陈出新，制作技术的精益求精等，当这样的心理状态成为整个行业的常态时，外人如果不学习精神只学习外在，就很难成功。定位现在的日本漫画，在受众定位上是任何国家同行都无法相比否认，是全世界最全面的，基本可以覆盖各个社会阶层和年龄阶段，这也是日本漫画读者众多，影响力巨大的原因之一。虽然很多漫画的读者，在外人看来实在不像是会看漫画的人。

      不过，早期的日本漫画所面临的，却不是这样的局面。日本漫画从一开始到现在这样被整个社会全面接受，走了三十多年的时间。事实上，战后的日本，对漫画的看法也不是一成不变的，其中经过了好几个阶段。手冢治虫先生就把战后漫画的处境，

分为六个阶段：

       第一阶段：“玩具时代”，这个阶段的漫画，在多数人看来是简单幼稚的，漫画只是供孩子娱乐的道具而已，直到现在，在世界的大多数地方，对漫画的看法依然没有变化，即使有喜欢漫画的成年人，也被看做幼稚的，长不大的孩子；

      第二阶段：“清除时代”，这时的漫画被视为低俗浅薄的读物，被众多怕影响孩子学习的家长和老师欲除之而后快。直到现在，国内的很多老师和家长，对漫画的看法依然是这样没有改变；

       第三阶段：“点心时代”，父母和教师勉强允许孩子可以在不妨碍学习的条件下看一点漫画。因为这个时期，漫画已经开始承担一些除了娱乐以外的功能了；

     第四阶段：“主食时代”，1963年TV动画《铁臂阿童木》在电视上连续放映，许多家庭中的大人和孩子一起观看，漫画得到社会肯定；

       第五阶段（二十世纪70~80年代中期）：“空气时代”，漫画已经成为青少年生活中不可分割的一部分，而在这个阶段，很多家长本身也是看着漫画成长的，所以虽然自己已经不看漫画了，但却已经能够真正接受自己的孩子对漫画的热爱了；

       第六阶段：“记号时代”，漫画成为青少年之间相互沟通的记号。这个时代有一个转折性的事件，就是动画《机动战士高达》的放映，这部作品彻底改变了卡通是孩子的专利这一看法，现在活跃的中年漫画迷，很多都是受这部作品的影响。

       可惜的是手冢先生英年早逝，没有看到现在日本漫画的现状，而笔者也壮着胆子在手冢先生的分法下面加一个阶段，即现象阶段，也就从九十年代至今的时代。

      现在，漫画已经成为了一场在日本，乃至全世界全民狂欢的现象—漫画角色成为了社会偶像、漫画作品成为了日本国家形象的代言。

       这些可能都是手冢先生开始发表自己的作品的时候，做梦也没有想到的美好景象吧？既然漫画已经成为整个社会所接收的一种艺术形式，那么就像任何一种成熟的市场行为和全民的娱乐活动一样，也面临着市场细分的选择。而这种市场细分，更是让漫画为更多的人，特别是一些本应对漫画不感兴趣的人所接受。

       目前统计，日本仅大型的漫画周刊就达十三种，另外还有十种隔周出版的漫画杂志，考虑到日本本土的市场并不是特别大，加上少子化的影响，可以说竞争异常惨烈。但也正是因为这样惨烈的竞争，是日本的漫画人不得不在精益求精的同时，细分市场，以获得适合自己的生存空间。

       截止目前为止，除了在日本漫画市场占据霸主地位的三大漫画杂志：《周刊少年SUNDAY》、《周刊少年JUMP》、《周刊少年MAGAZINE》以外，还有很多读者层相对较小，但是很稳固的漫画刊物，如适合儿童阅读的coro-coro（コロコロコミック）；适合青年人等人群阅读的SundayGENE-X月刊（月刊サンデーGENE-X）、MAGAZINE（YOUNG MAGAZINE；ヤングマガジン）；以少女为主要读者群的少女漫画杂志Sho-Comi（少女コミックSho-Comi）；以女童为对象的Ciao（ちゃお）；

       乃至以一部分重口味人群为读者群的Champion RED等等，几乎涵盖了社会的方方面面。可以说，在世界的其它地方，还仅仅把漫画当做孩子们消遣的读物的时候，日本的漫画人却让漫画为社会的每个角落都能接受，就是依靠这样明确的定位和详细的市场划分。

       当然，如此明确的定位，详细的市场划分，并不是一蹴而就的，即使在日本，也是经历了几十年的发展，才取得了今天的成绩。但是，任何一个消费市场，发展到一定阶段，进行细分都是必然结果。现代商业理论早就发现在市场细分的前提下，企业可以把消费者需求同现有市场上的商品进行比较，发现消费者新的需求，或者具有新的需求的不同消费者，从而，了解存在的市场机会，现实的商机。

       这样，企业与细分市场也建立了一种比较稳定的结构关系。但是，又有多少人会想到，漫画这样的一个行业，竟然需要商业理论的指导呢？只能说，他们太小看漫画了。科学很少有人像日本人做事这样严谨和讲究团队精神，而正是这样的严谨和协作，把日本的漫画发展成为了一种产业，转化成了一种科学的行为。

       在很多人，甚至是一些职业漫画人的眼中，漫画创作的是构思、草图、完成这样简单的流程，但是在日本的漫画制作领域，事情却不是这么的简单。需要特别指出的一点就是，既然在日本，漫画制作成为了一种产业，那么漫画制作自然也就是产业化的，专业分工明确的。事实上除了少数独立漫画家或者有一定地位的著名漫画家，绝大多数的日本漫画人在自己的作品连载时，都是属于出版社的，在很大程度上他们对自己作品的自由度并不是很高。

       在九十年代以前，日本的漫画出版业和其它的出版业同行并无二至，都是作者投稿或者出版社向作者约稿，然后由作者进行自主选题，并根据自己的选题进行创作，再把作品交付出版社进行编辑校对等工作，最后进行刊载出版，可以说这个时候漫画家还是比较自由的。但是随着竞争的日渐激烈，情况发生了变化。

       现在的标准流程是首先由出版社或杂志社的编辑根据市场调查、评估或预估做出大量的选题，再把这些选题交给编辑认定比较合适的漫画家，由漫画家画出草图、设定稿并配上说明文字后交给编辑组。

       编辑组再把这些草图、设定稿和说明文字提交编辑委员会进行集体讨论，不过某一选题能否刊载往往只有总编才有权利决定，这基本也算是日本特色的企业文化了。

       而选题通过后，负责的编辑将选题交给自己负责的漫画家，进行委托制作，根据日本漫画杂志的制度，一个编辑往往负责一个到几个作者的作品，这些作品如果受欢迎，该编辑在杂志社的地位也会水涨船高，而如果情况相反，这名编辑也要负连带责任。所以，一部漫画作品是否成功，不光关系到漫画家的收入，也和编辑的前途息息相关。所以，在漫画制作过程中，编辑和漫画家会频繁的沟通，并且依据自己的经验和通过调查获得的读者的反应，协作甚至是要求漫画家对作品的方向进行修正和改善。

       可以说，现在一部漫画作品，已经不是满漫画家一个人的作品，而是漫画家和编辑合作的结晶了。现在，漫画作品往往成为了编辑领导的一个的一个团队的协作产物，整个团队分工明确，而漫画家个人交出了主导作品的权利。这样的分工体系在某种程度上剥夺了漫画家的创造性，在很多人看了把漫画创作从艺术变成了技术，这是这个体系最大的缺点，不过事物总有两面性.

       那么这个体系的优点是什么呢？第一就是在抵抗市场风险，在获得价值回报方面有着极大的优势。因为周密的市场调研和反复的讨论可以大大的减少作品创作于出版的盲目性，带来较好的市场和经济回报。

       这一优点非常明显，也是出版社应对残酷的市场竞争所采取的措施，也是现在的漫画制作体系出现的主要原因。第二就是通过群策群力，有利于进一步完善作品。

      上文也说过，作为漫画家，在专业方面存在着种种不足，在很多时候显得很业余。而在这种体系下，一个漫画创作团队由各种具有专业技能的人员组成，每个人都负责自己最擅长的方面。所以，最近十年的日本漫画在专业方面有了长足的进步。也就是说，现在的日本漫画制作，形成了建立在详细的市场调查基础上的，以编辑为核心，以漫画家为主题而辅以各种专业人才的制作流程。

       分析这个流程，就会发现这些都是符合现代工业生产流程的制作方法，换言之，漫画在日本从艺术转变成了工业。还好，即使在日本，漫画也只能说是一种快餐文化的载体，它只要能给读者带来快感，就足够了，如果需要深刻的内涵和哲理，我们还有其它选择。

      当我们可以接受流水线式的美国电影和口水歌的时候，就不要苛求漫画太多了。所以，这样刻板的，机械化的制作流程，对于漫画家来说是一种折磨，但是对读者来说，却是莫大的福音。流行和所有的娱乐产业一样，日本的漫画产业也是始终和流行文化保持同步的。

       任何流行，都可以在漫画中发现端倪，甚至可以说，从日本漫画发展史中，可以读出战后日本的发展史。四五十年代的日本漫画，内涵式深刻甚至是沉重的，当我们回头翻看这个年代的漫画的时候，会发现里面充满了对生命、社会和哲理的思考，而结局往往的悲剧性的。

      这个时代的日本社会，自上而下充满了对战败和对日本社会的的反思，所以这些深刻的漫画就是这个时代日本社会思想的体现。而到了六十年代，随着日本经济的复苏，以东京奥运会和大阪世博会为标志，日本人的竞争精神也得到了复苏。

      而这种精神最直接的体现就是一部叫做《阿斯特罗球团》的作品，这部作品以现在的眼光来看是滑稽可笑甚至是恶搞的，但是它却开创了现在日本漫画中竞争精神和通过一次次的比赛获得最后胜利这一模式的开端。进入七八十年代，日本进入了战后经济的经费，其在国民精神上的体现就是这个社会充满了浮躁的斗争性，日本人甚至宣称要买下美国，也就可以看出日本社会当时的浮躁有多么的严重。

       而这种浮躁思想反映在漫画上，就是出现了大量的打斗题材的漫画，和传统的武士题材不同，这些漫画画面更鲜亮，而内容更加残酷。而九十年代以后，日本的泡沫经济破灭，传统的日本企业文化也土崩瓦解，社会信心下降。

      这个时候日本的漫画则应运而生了一个新的体系—治愈系漫画。这些漫画往往没有连贯系统的情节，却充满了温馨的气氛，对日本人民疲累的心理，多少能起到一些治愈效果。

      而到了新世纪，特别是2010年以后，日本的经济持续走低，同时日本人也看不到短期内恢复的希望，加之日本社会生活水平依然很高，所以社会上出现了大量随遇而安、得过且过的心态。

      这些体现在漫画界，就出现了不少以戏谑、恶搞为主题的漫画，这些作品脱离来了以往漫画的那些拼搏、努力、胜利等主题，却体现出一种随波逐流式的中心思想和认命的心态。

       其实不但是在内容和题材方面，就是漫画本身，也是随着日本的社会发展而发展的，收入有意思的是，虽然每年都有成千上万的年轻人投身漫画事业，但是从整体上来看，日本漫画家的收入却不是很让人羡慕。

      在日本，绝大多数漫画家是没有所谓周薪、月薪这样的概念的。在漫画家未成名前，大多是以画稿的多少来给报酬的，一般一张画稿的报酬为500——3000日元，如果以周刊计算，一周十六张原稿，一个月四次，那么这名漫画家一个月的收入最多就是192000日元，这只相当于一个刚入职的低级职员的收入。

       但是，即使是这样微薄的收入，也并非是纯收入，一般一个漫画家，最少要由一个助手，助手一般是由杂志社指派的有前途的新人，在漫画家身边一方面是协助漫画家工作，另一方面也是一个学习的过程，而助手的薪水也由漫画家提供，一般一个月在55000日元左右。

       加上制作漫画所需要的耗材等的成本，一个新人漫画家一个月的纯收入甚至会低到十万日元左右。而当一个漫画家的作品得到了市场的接受以后，就会发行作品的单行本，并从单行本的发行中获得版税，版税的比例一般为5%到15%。顺便说一句，在2009年，日本普通上班族的平均年收入为409万日元，而漫画家的收入要是想要达到上班族的水准的话，需要每年发售一本以上的单行本，并且累计销量超过12万。

       从上面这个数据可以看出，大多数日本漫画家的收入实际相当有限，加上超长的工作时长和巨大的工作压力，以及缥缈的前途，可以说在日本，漫画家这个工作并不是多么好，那么为什么还有那么多的年轻人试图进入这个行业呢？因为，和所有的行业一样，漫画这个行业也有所谓的顶峰，而漫画家的顶峰，不但有良好的社会声誉，更有极大的经济回报。

       还以2009年为例，该年发行了单行本的漫画家约有5300人，其中最优秀的一百人的收入约有7000万日元，也就是工薪族平均收入的十七倍以上。而最优秀的漫画家的收入，更是让普通人望尘莫及，比如《海贼王的作者尾田荣一郎，仅仅半年的版税收入就达到了六亿日元。

      另外，出色的漫画家文物还可以获得丰厚的作品改编收入，版权使用费，广告收入等，这些收入有时候甚至会远远超过漫画版税的收入。总的来说，日本漫画人的收入并不理想，毕竟想成为整个群体中最成功的一少部分，对大多数漫画人来说只是一个梦想。

       但这毕竟给了那些从小看着漫画长大，怀揣理想走进漫画这个行业的年轻人一个机会。这和美国小孩梦想进入NBA，巴西孩子想靠足球改变命运一样，给了这些孩子一个虽然飘渺，但还有机会实现的梦。

       引申从漫画开始，日本人把它发展成为了一个庞大的产业链，无数的企业，无数的人，从中获利。首先是通过杂志、报刊和单行本刊载作品，在这个环节真正获利的是作者和出版社，另外印刷厂和其它发行、物流企业也可以获得一定的利润。

      考虑到巨大的零售渠道商，这个环节虽然并不创造太多的利润，但是涉及的从业人员却是最多的。第二个环节是动画化，把漫画作品改变为动画后，除了作者和拥有部分版权的出版社外，动画制作公司，电视台等也可以从中获利。

       日本的动画包括电影版、电视版、ova版、BOX版等，最近随着网络的发展和普及，还出现了通过网络放送的OAD版。一直到九十年代之前，往往只有那些最出色和最受欢迎的漫画作品能够制作成TV动画，日本有发达的玩家工业体系，BANDAI、Takara—Tomy、SEGA、TAMIYA、HASEGAWA等都是世界知名的玩具企业。

       不足日本漫画的成功建立在商业化的基础上，但是过于商业化在很多时候束缚了漫画家的想象力，并且在很大程度上让漫画从引导市场变成了被市场引导。即使到现在，那些在日本漫画史上享有崇高地位的作品，无论是《铁臂阿童木》、《机器猫》、《福星小子》还有《阿拉蕾》等等，我可以列举出一长串的名单，都是出现在这种市场制度以前的。

      而现在的漫画作品，虽然在商业上取得了比前辈们更大的成功，但是却几乎没有在影响力上超越自己的前辈。

      第二，过于迎合读者的口味，使现在的日本漫画作品中出现了一批庸俗化的，打社会公德的擦边球的作品。

      其实这样的作品在娱乐社会中出现虽然让人诟病，但还算是正常的，只要不是社会的主流审美，这样的现象就可以被接受。但是事实现在的一些主流漫画，也出现了这样的问题，不得不说是过分商业化和过于迎合读者口味的结果。

       第三，还是由于过于商业化市场化，现在的日本漫画出现了比较严重的趋同性。当某一作品受欢迎的时候，市场上就会出现一批跟风之作，而却不去考虑自己的创意和实际情况。

       由于这样的情况出现，所以漫画界似乎出现了创意不足的现象。在以往。漫画史其它流行文化的创意核心，动画、电视和电影等等都以流行漫画为改编的题材。但是最近几年却出现了一波以轻小说改编漫画的潮流，更加具有想象力而有不那么商业的轻小说反而成为了漫画的创意来源。

      这对始终引领日本创意文化的漫画界来说，不能不说是一种悲哀。最后，也是目前看来最严重的问题，就是日本的漫画界和新兴媒体平台—互联网脱节了。虽然现在也有一些通过网络可以浏览的漫画作品，但是这终归不是主流。直到现在，日本的漫画发行依旧以期刊为主，而互联网的地位微乎其微。

       作为常识，几乎所有人都知道，和互联网相比，包括期刊杂志在内的传统纸媒体存在着生产成本高、制作周期长、容量有限等缺点。而日本又有全世界最发达的互联网之一，不能充分利用这样优秀的资源，可以看做日本人在新事物方便保守的又一例证。

      事实上很多日本漫画现在出现的问题，通过网络手段都可以得到一定的解决，比如日本漫画界一直有优秀作品由于得不到足够支持，加上版面有限，不得不腰斩的现象，但是如果通过几乎没有容量限制的网络，版面限制将不再成为问题。加上网络特有的长尾效应，一些漫画家所遇到的经济问题同样可以得到解决。

       对于网络的应用，日本并非没有足够的认识，但是除了保守的天性以外，将传统媒体转为网络媒体，即使只是部分转变，都可能造成社会问题。毕竟日本的漫画产业是一个极大的产业圈，正所谓牵一发而动全身。不过这并非不能解决的问题，在这方面中国难得可以成为日本的老师。

      现在中国把传统文学的出版和网络文学的发展，分开处理的办法，就值得日本漫画人学习。

       随着日本漫画产业链的发达，也成为了日本雅虎网站平台主要销售商品，日买网专业提供日本雅虎平台商品代拍代购，实时同步于日本雅虎平台。详情可咨询日买网客服。